Esta pintura es un cuadro de altar creado por Leonardo da Vinci a petición de un grupo religioso para una capilla de la iglesia de San Francisco en Milán. Esta pintura presenta a la Virgen María en el centro, con su mano derecha sosteniendo al niño Juan Bautista y su mano izquierda sentada debajo del niño Jesús. Un ángel está detrás de Jesús, formando una composición triangular y respondiéndose entre sí con gestos. El fondo es una cueva de roca profunda, salpicada de flores y plantas, y la cueva es transparente y brillante. Aunque esta pintura pertenece a la temática tradicional, sus técnicas de expresión y disposición de la composición demuestran el profundo nivel artístico de Leonardo da Vinci. La representación sutil de personajes y fondos, el uso de pinceladas ahumadas, el realismo científico y la adopción de técnicas como la perspectiva y la reducción, indican que ha alcanzado un nuevo nivel en el tratamiento de la relación dialéctica entre el realismo realista y el procesamiento artístico.

El tema general de 'Nuestra Señora de la Roca' representa a la Virgen María rodeada de profetas según los deseos de la iglesia, que es una composición religiosa general utilizada por los patrocinadores de la Holy Relief Society para realzar la creencia en la inocencia de la Virgen María. La creación de Da Vinci es completamente una obra secular que surge silenciosamente en Florencia, y todo en la pantalla refleja novedad: el tratamiento artístico de la trama; escenario inusual y elusivo; la integración orgánica de personajes y entorno; uso inteligente de la luz; una imagen de personaje iluminada por una belleza noble. El tema de esta pintura es el joven Bautista Juan adorando a Cristo frente a la Virgen María y ángeles. Leonardo da Vinci los colocó en un hermoso y misterioso paisaje rocoso, con la Virgen María, los niños y los ángeles sentados directamente en el suelo rocoso. El humo y la niebla que suben y bajan gradualmente presentan un estilo de pintura brumosa que es raro en las escuelas de pintura flamencas o venecianas, y toda la escena es como un sueño lejano. Llena de calidez poética, pacífica y elegante.
Diseño de fondo de pantalla
Aunque los personajes del cuadro están rodeados de un aire húmedo, los contornos de sus cuerpos todavía se pueden distinguir claramente contra las rocas oscuras, especialmente la atmósfera misteriosa creada deliberadamente por el enfoque del pintor en representar sus rostros. Las expresiones suaves, gentiles y puras de los personajes se resaltan vívidamente. Piedras colgantes de formas extrañas cuelgan de la masa rocosa húmeda, y flores y plantas botánicamente precisas emergen de las grietas. Sorprendentemente, se pueden distinguir lirios, lotos plateados, violetas y algunos helechos. El cielo azul en la distancia aparece ante los ojos de la gente a través de los agujeros y grietas entre las rocas. La joven madre abraza suavemente al bebé John arrodillado con su suave mano, mientras que su otra mano se extiende hacia su hijo. El ángel mira hacia el público, guiándolos hacia la pintura y señalando la escena con sus dedos. Una serie de gestos representan protección, guía, bendiciones y otros significados. Este grupo de personajes está dispuesto según el principio compositivo de una pirámide, con la cabeza de la Virgen María en la cima de la torre, sus manos extendidas a los lados y ángeles y niños en la esquina inferior. Leonardo da Vinci consideraba que la estructura era la clave para descifrar la intención de su obra, que en gran medida dio forma a la composición clásica de personajes en forma de pirámide del Renacimiento.

Imágenes armoniosas
En la composición estable y armoniosa de Da Vinci, el paisaje ya no es un simple fondo. El paisaje realista rodea a los personajes y se funde con ellos de forma natural, lo que confiere al cuadro una sensación de realismo única y vívida. La creación de retratos de grupo seguía dos principios universales en aquella época: en primer lugar, debía existir algún tipo de comunicación entre los personajes del cuadro; en segundo lugar, también debía existir algún tipo de comunicación entre el espectador y el sujeto retratado. El Museo del Louvre tiene ambas colecciones, pero la colección de Londres solo tiene una.

Perfil del personaje
Leonardo da Vinci (1452-1519) fue el artista, escultor, arquitecto, ingeniero, mecánico, gigante científico, teórico literario, filósofo, poeta, músico e inventor más famoso del Renacimiento italiano. Nació en la ciudad de Finch, en las afueras de Florencia, y murió en Francia. Su padre era abogado y notario, y su madre, una campesina. Llegó a Florencia a los 15 años y estudió en el taller de Verrocchio. En 1472, se unió al gremio de pintores y, a mediados de la década de 1970, su estilo personal había madurado. Trabajó en Milán de 1482 a 1499, principalmente al servicio del duque de Milán y se dedicó a una amplia actividad artística y científica. 'Nuestra Señora de la Roca' es su obra representativa más famosa creada durante este período. Es un genio apasionado por la creación artística y la investigación teórica, estudiando cómo utilizar líneas y formas tridimensionales para expresar diversos problemas de forma; por otro lado, también estudió ciencias naturales.
Proceso de aprendizaje de la pintura
Da Vinci comenzó a aprender arte a la edad de 15 años en el taller del pintor A. del Verrocchio. Se unió al gremio de artistas en 1472. A mediados de la década de 1570, su estilo personal de pintura maduró gradualmente. De 1482 a 1499, residió en Francia y se dedicó a otras actividades artísticas y científicas, además de servir al duque de Milán. Durante este período, no produjo muchos cuadros, pero "Nuestra Señora de la Roca" y "La Última Cena" son sus obras representativas. En 1500, viajó a lugares como Mantua y Venecia. En 1506, regresó a Florencia y creó "La Virgen con el Niño y Santa Ana" y "Mona Lisa", y también comenzó a pintar murales para el ayuntamiento. En 1507, regresó a Milán nuevamente y sirvió en la corte francesa. Se mudó a Roma en 1513, luego a Francia en 1516 y finalmente se estableció en Amboise. En sus últimos años, pintó poco y se dedicó a la investigación científica. Cuando falleció, dejó una gran cantidad de notas y manuscritos que abarcaban casi todo, desde física y matemáticas hasta anatomía biológica. No completó muchos cuadros en vida, pero cada uno de ellos es una obra inmortal. Sus obras tienen un estilo personal distintivo y son expertas en combinar la creación artística con la exploración científica, algo único en la historia del arte mundial. La comunidad académica generalmente divide sus actividades creativas en dos etapas: la etapa inicial y la etapa de apogeo.

Las características del boceto
En el legado artístico de Leonardo da Vinci, también son dignos de atención una gran cantidad de trabajos de bocetos. Estos bocetos, al igual que sus obras oficiales, han alcanzado un nivel muy alto y se conocen como el epítome del arte del boceto. Sus características son: observación minuciosa, líneas equilibradas de dureza y suavidad, especialmente hábil en el uso de líneas oblicuas con diferentes grados de densidad para expresar cambios sutiles de luz y sombra. Cada una de sus obras se basa en bocetos. Su teoría artística se puede encontrar dispersa en más de 5000 de sus notas y en el inacabado "Ensayo sobre la pintura", que también es un logro significativo en la investigación teórica de la época del Renacimiento. Leonardo da Vinci fue un famoso pintor del Renacimiento italiano y uno de los representantes más destacados de todo el Renacimiento europeo. Es un artista, escultor, arquitecto, ingeniero, mecánico, gigante científico, teórico literario, gran filósofo, poeta, músico e inventor reflexivo, erudito y versátil. Ha realizado importantes contribuciones en casi todos los campos. Los eruditos de generaciones posteriores lo calificaron de «representante más perfecto de la época del Renacimiento», «erudito de primera» y «genio brillante». Merece todos los elogios, e incluso más.

Talento creativo
Leonardo da Vinci es un símbolo de la sabiduría humana, poseedor de un ideal infinito parecido a lo divino, intentando recrear la belleza del mundo, medir la inmensidad del mundo y explicar sus misterios. Pero sólo tiene una vida y una fuerza ordinarias. Su ambición es descubrirlo todo, estudiarlo todo y crearlo todo. Su vida es un camino inacabado, plagado de fragmentos de obras nobles inacabadas. Antes de morir, dijo con tristeza: "Nunca he terminado una obra en mi vida". Leonardo nació en la pequeña ciudad de Finch, en los suburbios de Florencia, por eso se llamó Finch. A la edad de 5 años, fue capaz de dibujar de memoria un retrato de su madre en la playa, escribir letras y música en el lugar y cantar con su propio acompañamiento, lo que impresionó a todos los presentes. El padre Antonio, abogado, reconoció el talento de su hijo para la pintura y decidió enviarlo a estudiar al estudio del artista florentino Verrocchio. Allí, no sólo recibió educación en pintura, escultura y arte arquitectónico, sino que también recibió la influencia de otras ciencias. Finch estudió en el taller de Verrocchio la relación entre los cambios de luz y oscuridad en los huevos y descubrió la técnica de la pintura progresiva de luz y oscuridad. Pasó seis años en el taller de Verrocchio, donde se convirtió en un modelo de inteligencia humana con un pensamiento científico moderno y el coraje de explorar. Finch no pudo mostrar su talento en Florencia, y estaba decidido a llevar su arte y sabiduría al mundo real, brillando con fuerza. A los 31 años, escribió una carta al archiduque de Milán, Ludovico Sforza, enumerando sus diversos talentos. Finalmente, expresó su deseo de crear una estatua ecuestre para el padre del archiduque, que se convertiría en una estatua gigante sin precedentes en el mundo. El maestro completó la estatua de barro de esta obra maestra a la edad de 41 años, pero debido a la insuficiente fundición de cobre, la obra maestra nunca se completó. Fue destruida durante la invasión francesa en 1499, de lo contrario habría sido un gran milagro en el mundo.

Logros artísticos
La recompensa del Gran Duque por su genio y su duro trabajo no fueron monedas de oro, sino palabras de oro y jade, lo que hizo que Finch se sintiera muy incómodo. Para consolarlo, el Gran Duque le pidió que pintara un cuadro para la cafetería del Monasterio de los Gracci en Milán, que se llama "La Última Cena". Si "La Última Cena" es la pintura religiosa más famosa del mundo, entonces "La Mona Lisa" de Leonardo da Vinci, que fue creada cuando regresó a Florencia desde Milán a la edad de 51 años, es sin duda el retrato más famoso y grandioso del mundo. Estas dos obras aclamadas mundialmente han dejado el nombre de Leonardo da Vinci en la historia para siempre. El lenguaje artístico único de Da Vinci es el uso de la luz y la sombra para crear una sensación tridimensional de imágenes planas. Una vez dijo: "El mayor milagro de la pintura es crear una sensación de concavidad y convexidad en imágenes planas". Finch utilizó el principio de los cuerpos esféricos que reciben cambios de luz y fue pionero en el método de transición de luz a oscuridad (también conocido como método de transición gradual de luz a oscuridad), lo que significa que la transición de claro a oscuro en la imagen es continua, como el humo, sin un límite claro. La Mona Lisa es una obra maestra de esta técnica de pintura. Vasari creía que esta técnica de sombreado fue un punto de inflexión en el arte de la pintura. La vida de Finch siempre se centró en explorar el temperamento noble del arte, y solo en la creación de belleza puede sentirse satisfecho. La búsqueda y creación de la ciencia, la razón y la belleza en la Italia del siglo XV alcanzó su apogeo gracias a Leonardo da Vinci. Pero el talento del maestro no fue valorado ni apreciado en sus últimos años, y la indiferencia del Papa lo entristeció mucho. En 1515, cuando el rey Francisco I de Francia volvió a ocupar Milán, invitó al maestro a establecerse en Kruburg, Francia y solicitar el puesto de pintor de la corte. El maestro falleció en un país extranjero en 1519 a la edad de 67 años.

El primer cuadro
El primer cuadro fue realizado alrededor de 1483-1490 y es un óleo de 198 × 123 centímetros. Actualmente se encuentra en el Museo del Louvre de París. La trama del cuadro está tomada de la historia del bautismo de Jesús en el capítulo 3 del Evangelio de Mateo en el Nuevo Testamento de la Biblia: Jesús vino de Galilea al río Jordán y se encontró con Juan para ser bautizado por él. Juan quiso detenerlo y decirle: "Yo debería ser bautizado por ti, pero ¿viniste tú a mí?". Jesús respondió: "Permíteme por ahora, porque es nuestro deber cumplir toda justicia de esta manera". Entonces Juan se lo prometió. Jesús fue bautizado e inmediatamente salió del agua. De repente, el cielo se abrió para él y vio a dioses que descendían como palomas y se posaban sobre él. En ese momento, hubo una voz en el cielo que decía: "Este es mi hijo amado". Según la Biblia, Juan el Bautista no era un niño, sino un adulto. Cuando la Virgen María huyó a Egipto e Israel con sus hijos, Jesús era apenas un bebé recién nacido y no podía hablar con Juan, como se representa en la pintura. Además, el lugar donde Jesús fue bautizado estaba junto al río Jordán y María no estaba presente durante el bautismo. Entonces, ¿por qué Da Vinci hizo cambios tan audaces?

La Biblia dice que el rey Herodes masacró a niños menores de dos años en la región donde nació para cortar la vida después de la muerte de Jesús. El ángel inspiró a José a huir de Belén con María y Jesús. La familia de la Virgen María y el Hijo acababa de llegar al río Jordán y se enteró de que Juan estaba predicando en esa zona. Quedaron en una cueva cercana para encontrarse con él. También es razonable que los pintores representen a los personajes en una cueva antigua. El bautismo de Jesús nunca ha sido explicado claramente en la Biblia en cuanto a las relaciones de edad, y estos temas son concebidos a menudo por los pintores con diferentes expresiones. El cuadro "El bautismo de Cristo", en el que Leonardo da Vinci colaboró ​​con su maestro durante su aprendizaje, representa claramente las imágenes de Jesús y Juan como adultos. El pintor no se limita a los temas religiosos en esta pintura, sino que expresa este tema con una emoción de vida secular. [1] Para llenar los personajes de un sentido de amor familiar, transformó este supuesto encuentro sagrado entre Jesús y Juan en dos niños inocentes jugando al borde del agua. Pero para aclarar el tema religioso, se tuvieron que hacer algunas anotaciones de las acciones, como la de Jesús apuntando su mano derecha hacia Juan, como diciendo: "Permíteme por ahora...". Juan también hizo un gesto de inclinarse y saludar a Jesús. El ángel sentado en el suelo a la derecha, como un hermoso mensajero que descendió del cielo a la tierra, está representado de la manera más hermosa. Su rostro muestra la fórmula sonriente de Da Vinci, y su mano derecha señala la divertida escena del bautismo, aparentemente protegiéndolos como a una familia. Es obvio que el pintor aquí está decidido a centrarse en la Virgen María, dotando a la pintura de un solemne, dulce y bendito llamado al amor maternal, en lugar de representar algún tipo de dificultad, penuria y miedo en la vida. La Virgen María en el medio sostenía a Juan con una mano y consolaba a Jesús con la otra, reflejando el gran poder maternal de la humanidad. Este cuadro es completamente diferente de su anterior cuadro "El bautismo de Cristo". En él se plasma un sentimiento ético, una belleza rica en humanidad, que también era el contenido del pensamiento humanista de la época.

La segunda versión está sobre una tabla de madera y ahora se encuentra en la colección de la National Gallery de Londres. La segunda versión modificó los dedos aparentemente afilados de María, haciendo que los contornos parecieran más suaves. También eliminó el ambiguo gesto del Arcángel Uli hacia Juan, y el rostro de Uli ya no estaba de cara al público, sino hacia la ceremonia en curso, lo que parecía mucho más suave. Algunos detalles, como el color de la ropa de María, también se modificaron ligeramente.
En este cuadro se representa un desierto fresco y acuático donde el joven bautista Juan adora al niño Cristo bajo la sombra del manto de la Virgen María. El ángel de la derecha indica el cuidado divino hacia Jesús.
Debido a la dificultad de distinguir a los dos niños pequeños en la versión actualmente conservada en el Louvre, en esta versión de la National Gallery del Reino Unido, Leonardo da Vinci añadió una cruz reconocible en la planta para distinguir entre los dos niños pequeños, San Juan y Cristo.
Lo que fue aún más impactante fue que los científicos de la National Gallery del Reino Unido utilizaron tecnología infrarroja para descubrir un boceto oculto en la nueva versión de 'Nuestra Señora de la Roca'. La pintura representa a la Virgen María arrodillada en el suelo, con los ojos fijos en el suelo, una mano apoyada en el pecho y el otro brazo extendido hacia afuera, con los dedos tocando el borde del marco. Esta pintura aún no está terminada y los expertos creen que Leonardo da Vinci pudo haber planeado pintar al Santo Niño Jesús frente a ella.

¿Por qué, entonces, Leonardo da Vinci finalmente renunció a continuar con este boceto y en su lugar dibujó una copia de la anterior "Virgen de las Rocas"? Una explicación es que en 1483, la Iglesia Católica Romana encargó a Leonardo da Vinci que pintara un cuadro de "Virgen de las Rocas" para decorar la Catedral de Milán. Billie Lynch dijo: "Después de completar su primer cuadro, Leonardo da Vinci estaba muy satisfecho con su trabajo y quería más recompensas económicas. Después de ser rechazado, vendió este cuadro en forma privada y luego pintó otro. Tal vez el segundo cuadro comenzó a partir de un boceto recién terminado". Esta pintura marcó el comienzo de la cima creativa de Leonardo da Vinci, y la que se vendió fue la "Virgen de las Rocas" coleccionada por el Louvre en París. Sin embargo, después de que los grupos religiosos pidieran a Leonardo da Vinci que devolviera la obra, originalmente quería crear una nueva obra, pero las instituciones religiosas se opusieron. Insistieron en una obra idéntica a la obra original, por lo que hubo esta obra de "imitación" coleccionada en la Galería Nacional Británica. Esta puede ser una de las razones por las que hay otro boceto escondido en la segunda "Nuestra Señora de la Peña".

Composición en forma de pirámide
En cuanto a la composición, Da Vinci utilizó una composición en forma de pirámide, que tiene una sensación de estabilidad. Cuatro personajes se unifican en esta estructura estable. La parte puntiaguda resulta ser la cabeza de la Virgen María, y la mano izquierda de Jesús y el dobladillo de la túnica del ángel son los bordes del contorno derecho de la torre. Sin embargo, esta composición en forma de torre no es una fórmula simétrica muy rígida, con la Virgen María del personaje central inclinada ligeramente hacia la izquierda, mientras que la parte inferior de la composición en forma de torre está cerca de un prisma; la cabeza de Juan está ligeramente más baja que la cabeza del ángel en el lado opuesto, y las dos esquinas están desequilibradas. Debido al brillo mejorado del agujero de fondo, su contraste de color se mantiene estable. La vista panorámica parece solemne y natural, con características estéticas clásicas.
Estructura de la roca
También debemos prestar atención a la descripción del contexto de esta pintura: Leonardo da Vinci no solo fue un destacado pintor de paisajes, sino que, lo que es más importante, con los ojos de un explorador, prestó gran atención a la estructura rocosa dentro de esta cueva. Las estalactitas dentro de la cueva fueron un tema de exploración geológica para los investigadores científicos durante el período del Renacimiento. Esto refleja aún más el amplio interés de Leonardo da Vinci por el conocimiento geológico. En todos los frescos de la Italia del siglo XV, las figuras ordinarias siempre se colocaron frente al paisaje en lugar de dentro de él. Leonardo da Vinci colocó primero personajes aquí en paisajes específicos, mezclando sus circunstancias con las oscuras cuevas antiguas en un todo. Esta fue una idea creativa del gran pintor para buscar entornos y personalidades típicas en su concepción. En términos de tono de color, toda la pintura se basa en un esquema de color marrón, con el azul profundo de la Virgen María contrastando con el gris púrpura, dorado y plateado del manto del Ángel; La piel de Jesús y Juan contrasta con los rizos dorados de Juan. La cueva oscura permitió a Leonardo da Vinci utilizar su mejor técnica de contraste entre luz y oscuridad.

Implica y símbolos
La Virgen de la Roca está llena de alusiones y símbolos que ponen de manifiesto el espíritu enigmático de Leonardo da Vinci. ¿Qué significa que un ángel señale a San Juan con un gesto claro? ¿San Juan, protegido por la Virgen María, representa la necesidad de la humanidad de la protección del Espíritu Santo? ¿La cueva representada como un útero implica el origen de la vida? Los estudiosos debaten con entusiasmo estas cuestiones. Sin embargo, el propio Leonardo da Vinci, como todos los grandes pintores, nunca explicó el significado de sus obras. Creía que los espectadores inevitablemente sentirían significados ocultos más allá de las palabras. Obviamente, Leonardo da Vinci integró sus experiencias de aprendizaje pasadas en esta obra.
El capítulo 32 del libro "El Código Da Vinci" dice: "El cuadro va en contra del sentido común, ya que muestra a Juan rezando por Jesús, no a Jesús rezando por Juan... ¡Jesús está obedeciendo la autoridad de Juan! Lo que es aún más problemático es que María en el cuadro coloca una mano sobre la cabeza de Juan y hace un gesto amenazador: sus dedos parecen garras de águila, como si estuvieran sosteniendo una cabeza invisible. La escena más obvia y escalofriante es la de Uriel debajo de los dedos doblados de María: hace un gesto de cortar, como si quisiera cortar la cabeza invisible que María sostiene de su cuello". Esto demuestra que el significado implícito y el simbolismo del cuadro no son simples.

Perspectiva aérea
El paisaje exterior de la cueva presenta una perspectiva aérea, con las figuras formando una estructura piramidal, coronada por la cabeza de la Virgen María. El rostro de un ángel expresa la belleza ideal de Leonardo da Vinci, y sus rasgos faciales no aparecen en la superficie como los ángeles en su cuadro de "El bautismo de Cristo" para Verrocchio, sino que emanan del interior. Los personajes están representados utilizando el método de expresión de luz y oscuridad, y la técnica ha alcanzado un estado de perfección. Esto indica que Leonardo da Vinci se ha despedido del Renacimiento temprano y ha comenzado a avanzar hacia la etapa culminante del Renacimiento.
tono
En cuanto al tono de color, el segundo cuadro se basa en el marrón, con el azul profundo de la Virgen María contrastando con el púrpura, el dorado y el gris plateado del manto del ángel; la piel de Jesús y Juan contrasta con los rizos dorados de Juan. La cueva oscura permitió a Leonardo da Vinci utilizar su mejor técnica de contraste entre luz y oscuridad. Este tipo de pintura se utilizó originalmente como pintura de altar sobre una tabla, con pinturas de pantalla en ambos lados. Como obra inacabada, difiere en carácter y tono de color de la nueva versión de 1508 de 'Nuestra Señora de la Roca'. En este último cuadro, el personaje se acerca y se ha cambiado la mano derecha antinatural del ángel que apunta hacia Juan; su mirada ya no se dirigía hacia el público, sino más bien hacia las actividades de los dos niños. Desde esta perspectiva, parece más madura que la anterior. Pero en términos de color, el manto azul profundo de la Virgen María se ha cambiado a azul profundo, y el manto rojo del ángel se ha vuelto alado. El tono de color no es tan cálido como el anterior. Quizás esto se debió a la falta de energía del pintor en sus últimas etapas de pintura, o pudo haber sido pintado por sus discípulos, pero actualmente no hay evidencia confiable que respalde esta afirmación.